El Museo de la Universidad de Alicante (MUA) mantiene desde su creación un decidido compromiso con el arte contemporáneo. Fruto de esta apuesta nacieron en 2015 las “Residencias de creación e investigación artística del MUA”, una convocatoria pública e internacional con el objetivo de promover y dinamizar la creación e investigación en arte contemporáneo.
En cada edición se seleccionan cinco proyectos artísticos para ser desarrollados durante dos semanas en las instalaciones del museo gracias a unas becas de producción. Durante este periodo los residentes tienen la oportunidad de trabajar en el museo, imbuirse en la propia dinámica del centro y recibir asesoramiento del personal técnico para dar forma a sus proyectos.
Este 2024 estamos de aniversario porque presentamos la exposición de la décima edición de las residencias que han tenido lugar entre el 9 y el 20 de septiembre, consolidando una iniciativa que convierte al MUA en un centro de referencia en producción e investigación en arte contemporáneo. Los 5 proyectos seleccionados han sido desarrollados por los artistas Diego Balazs, Lorena Lorca, Lucía Mir Tort, Elisa Terroba y Brisa MP. Un conjunto de artistas heterogéneos que durante este breve periodo han compartido experiencias y han focalizado todos sus esfuerzos en dar forma a sus proyectos artísticos que hoy se presentan en el Sala Sempere del MUA.
Esperamos que disfruten de esta muestra y se dejen arrastrar por los horizontes creativos que nos ofrece el arte en la actualidad.
Espacio Lúdicon’t
Diego Balazs
El proyecto pictórico e instalativo Espacio Lúdicon’t versa sobre el uso de la limitación como herramienta potenciadora de juego y reflexión. Esta dinámica está sujeta al concepto de dinergía (término acuñado por György Doczi, que representa la unión de opuestos complementarios), por lo que nos servimos del no-hacer como elemento activador de juego. Partimos del error para generar una relectura del objeto lúdico y forzar al espectador a debatir sobre una nueva resolución lógica. Esta revisión del juguete se apoya en una estrategia de atajo: la viveza criolla y post-criolla y, por ende, su relación con la picaresca española. Siendo esta un rasgo cultural de latinoamérica que consiste en la evasión de la normatividad para buscar vías alternas y transgredir el medio.
Partimos de la descontextualización del objeto lúdico como epicentro investigativo para contemplar múltiples resoluciones de lectura. “Papá, no debes besar la locomotora, porque si lo haces, piensan los coches que no es de verdad” es una frase de Johan Huizinga en su libro Homo Ludens en la que, al igual que en el proyecto, reflexiona sobre la transformación y proyección del humano al jugar. El niño cuando performa de locomotora, es locomotora. En este caso, se potencia dicha conversión del espectador a jugador y, al ser jugador, está expuesto a ser jugado.
/bibliografía
Elisa Terroba
El proyecto /bibliografía investiga los libros como soportes culturales y su capacidad para conservar la memoria. Propone entender el libro como un espacio-tiempo que alberga múltiples capas de información, enfocándose en los rastros dejados por los usuarios de la Biblioteca General de la UA (notas, marcas, subrayados, fotos, etc.) como parte de una arqueología contemporánea. Estos elementos inadvertidos construyen una narrativa intertextual que revela la forma en que los lectores interactúan con el conocimiento.
El objetivo del proyecto es documentar y explorar estas interacciones, entendiendo los libros no solo como objetos de lectura, sino como espacios donde convergen el uso y la apropiación del conocimiento. Los márgenes y pliegues de los libros se conciben como lugares disidentes que fomentan la emergencia de nuevas narrativas y significados, no solo como espacios físicos, sino también conceptuales, que permiten la creación de nuevas interpretaciones.
De lo particular a lo vegetal
Lucía Mir Tort
Este conjunto de obras presenta una fusión de formas geométricas precisas y elementos naturales imaginados, creando un diálogo dinámico entre lo orgánico y lo esquemático. A través de esta combinación se logra construir un universo visual que desafía las fronteras entre la naturaleza y la lógica estructural. Conceptualmente, los paisajes que emergen de estas obras resultan de una exploración profunda del entorno, de objetos que parecen contener en sí mismos paisajes ocultos, como las piedras, evocando el arte del suiseki, en el que se valora la capacidad de las piedras para sugerir paisajes y emociones.
Con este proyecto se busca desafiar la percepción tradicional del dibujo, relegado a un boceto previo o trámite conceptual. El dibujo cobra importancia como resultado final y material expositivo, siendo el protagonista absoluto, apreciado por su propio mérito como una obra de arte completa y autónoma.
Forest
Brisa MP
¿Será en el futuro la naturaleza como hoy la conocemos?, ¿cómo serán nuestros entornos naturales, corporalidades, ambientes en el futuro?, ¿será posible que las máquinas se integren a tal punto que generen nuevas especies, incluso con la naturaleza?, ¿podemos pensar en las máquinas como colaboradoras, parte integrada en nuestra sociedad, que nos ayuden a evocar aquello que ya hemos perdido?
Forest es una pieza de Artes Mediales que entrecruza técnicas y materialidades diversas donde se hibridan las Artes Visuales, Physical Computing y la Robótica, dando importancia a la experimentación, a los procesos materiales y artesanales con bajas tecnologías Do It Yourself, Hardware y Software Libre. Del mismo modo, la pieza incluye material encontrado orgánico e inerte site-specific propio del entorno de la UA. El proyecto se sitúa desde la pregunta, en un terreno movedizo y poroso de cara a un futuro incierto, entendiendo la práctica artística como un espacio vivo, de prueba/error alejado de la receta y la repetición.
Forest es un gesto artístico y crítico, un imaginario híbrido de pequeños movimientos, donde habitan fragmentos y restos, situándonos unos años más adelante, cuando miremos con cierta nostalgia, tal vez, aquello que hemos perdido.
Nostarte anticipado
Lorena Lorca
El proyecto se basa en la práctica artística como herramienta para estudiar los procesos previos a la pérdida. El sentimiento de pérdida respecto a una persona o respecto al propio tiempo suele desembocar en una nostalgia anticipada complicada de descifrar. El paso del tiempo y el acelerado ritmo de vida que la sociedad carga hoy en día deja a un lado la sensibilidad para apreciar lo efímero de la vida.
La percepción pausada de los ritmos naturales de anhelo, nostalgia y pérdida se ensalzan a través de la interpretación artística en este proyecto. El resultado ha de ser un diálogo entre pérdida y presencia, entre la existencia de alguien y su previsible partida. Es importante subrayar el uso de la fotografía ya que se utilizan imágenes realizadas y editadas por la artista en las que salen personas que motivan esta reacción de nostalgia anticipada.
